En esta presentación tenemos perfectamente contextualizado y con ejemplos la música barroca y sus características. Una guía formidable para comenzar a hablar del Barroco y su música.
En la Pequeña Crónica de Ana Magdalena Bach hay una simpática anécdota referente a las enormes dotes de improvisación y lectura a primera vista de Johann Sebastian. El gran maestro había dado a entender en muchas ocasiones que todo buen músico debe interpretar a primera vista cualquier clase de música. Su colega de Weimar, el organista municipal Sr. Walther, meditaba la forma de tenderle una trampa, para después reirse los dos de la broma. Sebastián almorzaba algunas veces en casa de Walther y, una de ellas, mientras esperaban que les sirvieran la comida, Sebastian se dirigió al clave, vio allí una partitura y, naturalmente, se puso a descifrarla. Pero no había avanzado mucho cuando llegó a ciertas notas que le hicieron tropezar y, muy sorprendido (pues no estaba acostumbrado a tropezar ante ninguna música, por complicada que fuese), repitió la pieza desde el principio y tuvo que detenerse en el mismo punto. En alquel momento, el Sr. Walther, que había estado escuchando tras la puerta entreabierta, no pudo contener la risa. Sebastian se levantó de un salto y dijo, un poco avergonzado: "Aún no ha nacido el hombre capaz de tocarlo todo a primera vista. Este pasaje es imposible". En años posteriores contaba con frecuencia esta anécdota, para animar a discípulos tímidos.
Durante la época de Weimar, Bach llegó a ser un maestro insuperable del órgano. Inventó incluso una nueva forma de colocar y mover la mano, mucho más cómoda. Su fama había llegado a Dresde. Fue en esta ciudad donde se presentó en aquella época un famoso músico francés, Jean Louis Marchand, hombre muy capaz pero a la vez muy vanidoso, y anunció que estaba dispuesto a competir con todos los músicos del país, sobre los que esperaba demostrar su superioridad. Esta forma de actuar no despertaba el interés de Johann Sebastian pero algunos músicos alemanes se sintieron ofendidos por el presuntuoso desafío del francés y le agobiaron a súplicas para que defendiese la música alemana y se midiese con él. Vacilante y a disgustó se dejó convencer y acabó por aceptar el reto de Marchand. El encuentro debía celebrarse en casa del conde Flemming. Acudieron muchas damas y caballeros de la corte. Bach entró tranquilo como siempre dispuesto a someterse a cualquier prueba musical que le propusiera el francés. Pero aquel señor extranjero se hacía esperar y no hubo más remedio que mandar, al cabo de un rato, a un lacayo a su casa, para buscarlo. Pronto regresó el criado con la noticia de que el monsieurse había ausentado de Dresde aquella misma mañana en una silla de posta especial. Se sospechó que había tenido ocasión de oír tocar a Sebastian sin ser visto y reconocería en él a un hombre con el que no podía competir, llegando a la conclusión de que lo más conveniente para su fama era no acudir al concurso.
Bach era un gran admirador de George Frederich Haendel. Pasaba horas enteras copiando sus partituras. En Leipzig dirigió la ejecución de la cantata de Haendel sobre la Pasión de Nuestro Señor. Ambos habían nacido en Sajonia y en el mismo año. Johann tenía la sensación de que fuera de la música existía un lazo entre ellos e intentó en varias ocasiones encontrarse con Haendel, aunque jamás fue posible. En cierta ocasión se desplazó desde Cöethen hasta Halle pero llegó al anochecer, cuando Haendel ya había partido. Lo mismo ocurrió un par de veces más. Haendel era un músico suficientemente grande para reconocer la importancia de las obras de Sebastian, aunque la fama de éste quedaba limitada a Alemania, mientras que su nombre sonaba hasta en Italia e Inglaterra. Pero es que Haendel buscaba al público, viajaba mucho y ganó gran cantidad de dinero, mientras que Sebastian huía del ruido y del mundo y se dedicaba al trabajo tranquilo y silencioso en el seno de la familia.
La generosidad de Johann Sebastian Bach para con los otros músicos era sobradamente conocida. En cierta ocasión, estando en Erfurt, oyó hablar mal de J.L. Marchand, y contuvo las críticas con estas palabras: "Os voy a enseñar lo hermosas que son sus suites para clave, que tanto despreciáis". Se sentó al clavicordio y supo elegirlas y tocarlas con tanta delicadeza, que parecieron muy superiores a lo que realmente eran.
Hay lugares mágicos en el mundo y que no entran precisamente en el las grandes listas de las maravillas ni de los lugares que "uno no debe dejar de ver antes de morir". Estos sitios imprescindibles para todos los que amamos la música son las salas de concierto o teatros de la ópera de alrededor del mundo. Desde que la ópera surge y el hombre decide disfrutar de la música como espectáculo se construye y diseña con este esplendor y magestuosidad. Las grandes catedrales de la música. De todos sólo he estado en uno. Espero poder ir visitándolos todos poco a poco, aunque sea humíldemente desde el patio de butacas.
Ludwig van Beethoven nació en Bonn en 1770, así que hoy sería "alemán". Lo que mucha gente no sabe es que su abuela paterna (la madre de su padre) era de ascendencia española. Se llamaba María Josefa Poll. Y, por tanto, también su padre era medio española.
La sordera total que Beethoven sufrió a partir de los cuarenta años no le impidió componer alguna de sus mejores obras, como la inmensa Novena sinfonía, "la coral"
Como ya hemos visto, los nombres de las notas los puso Guido de Arezzo. Para ello, echó mano de un himno a San Juan Bautist, patrono de los músicos.
La música de ese himno iba subiendo de verso en verso, de modo que el primero ("UT queant laxis") comenzaba con la nota que hoy conocemos como DO, el segundo, con un RE..., y así sucesivamente.
El SI se formó con la primera letra de San y de Juan.
La primera nota, UT, como era muy difícil de pronunciar, se cambió más tarde por el DO, aunque en algunos sitios se siguió utilizando.
En otros países -por ejemplo, en Alemania- nunca se aceptó la denominación de Guido, y se usan aún hoy letras del alfabeto: el LA se dice A, el SI, B, etc.
¿Por qué, cuando se quiso cambiar el nombre de la nota "UT" se eligió DO y no, por ejemplo, PUF? Pues porque un astuto músico italiano, llamado Doni, decidió ponerle a esa nota la mitad de su apellido. Esto ocurrió en el siglo XVII... y dura todavía.
Casi ningún instrumento llava el nombre de su inventor (los timbales, no los inventó Tim Ball, ni las castañuelas la casta Ñuelas); pero el saxofón no se llamaría así si no fuera porque su inventor, Adolph Sax, le dio su nombre en 1846.
"Piano" no es, en realidad, el nombre del instrumento "piano", sino sólo la mitad de su verdadero nombre. Su nombre completo es piano e forte, que en italiano significa "suave y fuerte". Se le dio ese nombre porque, a diferencia del clavicénbalo, su antecesor, el nuevo instrumento permitía regular la intensidad del sonido, haciéndolo más fuerte o más... piano, cosa que con el clavicémbalo, en el que unas púas pulsaban las cuerdas, no se podía conseguir.
Entre los instrumentos que todavía se usan , el órgano es uno de los más antiguos. Que sepamos, se utilizaba ya en Grecia en el año 250 antes de Cristo. El órgano funciona haciendo pasar el aire por unos tubos. Hasta que se inventó la electricidad, el aire se accionaba con unos fuelles, que se movían con los pies o con unos señores forzudos. El órgano primitivo griego utilizaba la fuerza del agua.
La precocidad de algunos músicos nos deja apabullados:
Camille Saint-Saëns aprendió a distinguir las notas a los treinta meses y a los cuatro años tocaba estupendamente el piano (componía ya a los cinco y dio un concierto triunfal a los once).
Albéniz dio su primer concierto a los cuatro años, y a los nueve ya daba conciertos por todo el mundo.
Mozart compuso sus primeras obras para clavicémbalo a los cuatro años y dio su primer concierto a los seis.
Haendel, a los siete años tocaba divinamente el órgano.
Chopin publicó a los siete años una polonesa en sol menor.
Schumann compuso a los nueve años su Alegría de un día escolar.
Paganini dio su primer recital a los once años.
Beethoven publicó su primera obra con doce años: Variaciones para piano sobre una marcha de Dressler.
Karl Maria von Weber compuso su primera ópera a los catorce años.
La guitarra clásica o "española" es una caja de madera que amplifica el sonido de las cuerdas al vibrar. En cambio, la guitarra eléctrica confía esa ampliación a la electricidad. La primera guitarra "eléctrica" fue la "Electro Vibrola Spanish Guitar". Se fabricó en 1935 y era una simple guitarra española a la que se le añadía un micrófono. Hasta 1958 no apareció la verdadera guitarra eléctrica, con dos micrófonos incorporados, en la que la caja de madera tradicional se hacía innecesaria.
La guitarra eléctrica fue inventada en Estados Unidos a mediados del siglo XX, consecuencia de la aparición del amplificador
en la década del 1920. A partir de ese momento fueron muchos los
instrumentos que sufrieron alteraciones en su diseño acústico
tradicional e incorporaron algún tipo de sistema eléctrico. La guitarra
fue uno de los primeros en adaptarse y, a pesar de que varias marcas
innovaron en esa dirección en poco tiempo, la manufactura de la primera
guitarra eléctrica se le puede atribuir a la marca Rickenbacker.
Los primeros músicos en adoptar este sistema para tocar fueron
guitarristas de operetas y Jazz, quienes previamente no contaban con los
medios para que su instrumento se escuchara dentro de las orquestas. Leo Fender
diseñó la primera guitarra eléctrica sólida con mástil desmontable y
pocas piezas, para que los intérpretes no tuvieran problemas al tener
que cambiar piezas del instrumento gastadas o rotas por el uso. Era el
nacimiento de la FenderTelecaster, primera de muchas guitarras eléctricas de cuerpo sólido.
Esta semana ha sido especial para mis niños y niñas de 5º de Primaria. Hemos trabajado el "Aserejé". Tras leerlo y comentarlo hemos aprendido muuuuuchas cosas nuevas:
Hemos debatido sobre el himno de un bar y tipos.
La figura del DJ.
Frases hechas propias del castellano como: "Donde ya no cabe un alma", "no es cosa de brujería"...
El rap.
Qué es un vídeo-clip.
Versiones de una misma canción.
La importancia del conocimiento del inglés y su pronunciación.
Qué es un ranking de canciones y cómo se produce.
Como hemos hablado, cantado, leído y bailado, les prometí que les colgaría los vídeos visionados en clase. Y aquí está la información y los vídeos.
"Aserejé" o simplemente "The Ketchup Song" en inglés, es una canción de género pop e interpretada por la banda femenina española Las Ketchup. Como sencillo, se incorporó como una de las canciones más exitosas de la historia en todo el mundo ya que vendió casi siete millones de sencillos y se situó en el puesto 100 de las canciones más vendidas en la historia de la música a nivel mundial, según media traffic. El single consiguió disco de diamante en Francia.
El estribillo es la primera estrofa del "Rapper's Delight" grabado por la banda estadounidense Sugarhill Gang en 1979, traducido fonéticamente al español (De la manera que sonaría a alguien que no entiende inglés):
I said a hip hop the hippie the hippie
Aserejé ja de jé de jebe
to the hip hip hop, a you don't stop
tu de jebere sebiunouva
the rock it to the bang bang boogie say up jumped the boogie
majabi an de bugui
to the rhythm of the boogie, the beat
an de buididipí
En la versión que cantan Las Ketchup se hace la interpretación de la letra en forma fonética:
"Aserejé, já, dejé, dejebe tu de jebere sebiounouva, majabi and de bugui and de buididipí".
Primero la versión KARAOKE PARA APRENDERNOS EL BAILE.
Ahora veremos el VIDEO CLIP ORIGINAL
Nos queda ver, de dónde "salió" el ASEREJÉ:
Claro está que esta es un vídeo actual de la canción, ya que la original es de 1979 ¿Queda claro que la música aunque sea antigua puede ser maravillosa?
Thomas Blank y Karl Adamek, doctores de la universidad de Münster, llevaron a cabo un estudio basado en las experiencias vividas de más de 500 escuelas infantiles alemanas. El estudio reflejó que un 88'9 % de los niños y niñas que cantaban habitualmente mostraban un mayor desarrollo del habla, de la conducta social y del control de la agresión. Estos estaban mejor preparados para enfrentar la escolarización en primaria en comparación al 44'1 % de los que no cantaban o cantaban mucho menos.
Además, son sobradamente conocidas las capacidades de la educación musical para contribuir en la mejora de la adquisición de la lectura, de la memorización, del desarrollo motor (motricidad fina y gruesa), o de la habilidad para entender conceptos matemáticos.
No cabe duda de que la música es un estímulo en el aprendizaje infantil, cualquier actividad y juego que incluya canciones tienen un mayor acogimiento en ellos. Pero la música no solo es entretenimiento y diversión, sino que contribuye a un mejor desarrollo físico, mental y social del ser humano.
A pesar de lo que muchos adultos y docentes opinen, la música es una poderosa herramienta dentro de la educación. Y como dice Nicolás Rojas: "Nosotros no queremos llenarlos de contenidos e instruccciones: lo que queremos es que produzcan conocimiento e ideas a través de ella".
Ya se acerca la SemanaSanta y, como novedad, aquí tenéis algunas de las partituras de las marchas de procesión más conocidas de estas fechas en Sevilla.
Los cordófonos frotados son instrumentos musicales que se tocan con un arco que se desliza sobre una o varias cuerdas que vibran por encima de una caja de resonancia. Los más importantes son los que explicamos a continuación, pero no hay que olvidar que hay otros menos conocidos, pero no menos importantes:
Viola: La viola es un instrumento de cuerda frotada parecido al violín, pero 9 cm. mayor que éste y afinado una quinta más grave.
Viola da gamba: La viola da gamba pertenece al grupo de instrumentos conocidos como cordófonos. Tiene seis cuerdas, el diapasón tiene trastes y se frota con un arco.
Laúd del mar Negro: instrumento folclórico de Georgia y de la Europa central, se fabrica con madera e incrustaciones de marfil.
Violonchelo: pertenece a la familia de la cuerda frotada. El instrumento se coloca entre las piernas del intérprete, sobre una pica retráctil situada en su extremo inferior. Tiene cuatro cuerdas y se toca con un arco más corto y grueso que el del violín.
Contrabajo: el instrumento más grande y grave de la familia de la cuerda frotada. Mide normalmente 1,8 m. de alto, tiene cuatro cuerdas afinadas. En algunos casos se añade una quinta cuerda grave afinada. Hay instrumentos en los que la cuerda en mi1 se prolonga mecánicamente en el clavijero, con lo que llega a producir el do1. Su registro alcanza, junto a la tuba, la zona más grave de la orquesta.
Violín: instrumento de cuerda frotada, el más agudo de su familia. Otros miembros de ésta son la viola, el violonchelo y el contrabajo. El arco es una vara estrecha, de curva suave y construida en madera del Brasil, de unos 30 cm de largo, con una cinta de crines de caballo que va de lado a lado del mismo.
El violín es quizás el instrumento más conocido de la orquesta sinfónica. Su particular timbre se debe, en parte, al alma y a la barra armónica que se colocan dentro de la caja del instrumento para transmitir y distribuir las vibraciones. Otras dos características del violín son el diapasón sin trastes y las cuatro cuerdas afinadas por quintas.
En los violines antiguos las cuerdas eran de tripa. Hoy pueden ser también de tripa entorchada con aluminio, plata o acero.
El violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo son instrumentos de cuerda frotada. Realiza estas actividades para conocerlos mejor.
Interesante recurso que también podéis encontrar en la página “Monlifan”. Es una presentación flash sobre losinstrumentos de cuerda frotada de la orquesta. Contiene foto, audio y una explicación teórica de cada instrumento.
Aquí tenéis un mapa conceptual realizados con Mindomo, es un gran trabajo de Carme Marchena, del blog “Amalgama”.
Esta presentación sobre la clasificación de los instrumentos de cuerda es otro interesante recurso. Os dejo el enlace a estas presentaciones.
Os dejo también este mapa conceptual de los instrumentos de cuerda con imágenes, clasificación, audiciones,... Muy interesante para afianzar nuestros conocimientos. Pincha en la imágen para verlo.
Aquí os dejo también esta aplicación que habla también de los instrumentos de cuerda frotada con explicaciones, ejemplos, audiciones, actividades,... Trata de trabajar auditivamente estos instrumentos. Muy interesante.
Elvis Aaron nació en 1935 en Tupelo (Misisipi). Su carrera comenzó el día en que decició grabar un pequeño disco para regalárselo a su mamá. Tenía 19 años. Un empresario de espectáculos vio en él una mezcla de alma negra en cuerpo (joven) blanco. Su primer éxito de masas fue Heartbreak Hotel, donde el protagonista, lleno de dolor por el abandono de su chica, se va a vivir al hotel de los Corazones Rotos, al final de la calle de la Soledad. La compañía de discos RCA (Radio Corporation of America) le hizo un contrato de 39.000 euros (¡de los de 1956!).
Al principio, el nombre del conjunto fueron los Quarrymen ("Los hombres de Quarry", el colegio donde estudiaban Lennon, McCartney y Harrison). En 1960 se llamaron Long John and the Silver Beatles (" Los escarabajos plateados", aún sin Ringo Starr). En 1961 empiezan a actuar en La Caverna, un club subterráneo de Liverpool (en Inglaterra). Su primer disco importante fue Love me do, grabado en 1962. Luego, en sólo dos años, entre 1963 y 1964, grabaron ¡más de 60 títulos! Su primera película (¡Qué noche la de aquel día!) es de 1964, y Help!, del año siguiente.
En 1965 fueron nombrados Caballeros de la Orden del Imperio Británico. En 1970 se separaron definitivamente, dando por finalizada una "década prodigiosa".
Italiano, gran compositor de óperas, le tocó vivir tiempos políticamente muy revueltos: la unificación de Italia. Entre sus óperas, todas de gran éxito, es muy conocida La Traviata (la extraviada) y también Aida (el nombre de la chica), que se desarrolla en Egipto.
Entre los músicos del siglo XX, Stravinski representa la pasión por una música distinta, que no fuera repetición de lo que ya se había hecho antes. La consagración de la primavera supuso una auténtica revolución, a la que se unió una coreografía muy nueva.
Músico romántico por excelencia, sus muchas obras son ricas en melodías muy inspiradas. Aunque compuso conciertos y seis sinfonías, es muy conocido sobre todo por su música para ballets, El lago de los cisnes o Cascanueces, por ejemplo.
Era polaco, pero vivió muchos años en París (también en Mallorca). Es, sin duda, el mayor "mago" del piano, para el que compuso casi la totalidad de su obra. Sus Nocturnos son una colección de piezas breves muy relajantes.
Músico bastante bohemio, que casi siempre andaba corto de dinero, compuso muchos "lieder" (canciones, generalmente para voz y piano), así como conciertos y sinfonías. Una de estas sinfonías, la segunda, llamada Incompleta, es de las que más se escuchan.
Llevó una vida intensa, totalmente dedicada a la música, en la que construyó obras muy poderosas. Es el primer gran músico moderno, por eso sigue gustando tanto hoy. Sus nueve sinfonías son superconocidas, sobre todo la Tercera (Heroica) y la Novena.
Fue un niño prodigio, pero sobre todo un músico prodigioso. Compuso de todo: conciertos, óperas, música religiosa... Parecía como si su vida misma fuera la música. Entre sus muchas obras buenas está la ópera La flauta mágica. Murió a los 34 años de edad.
Aunque era alemán, desarrolló su vida musical en Inglaterra. Trabajó muchísimo, tuvo mucho éxito... y también conoció la bancarrota. Sus composiciones más famosas son los Oratorios y, entre ellos, El Mesías es el más conocido.
Alemán. Se consideraba a sí mismo fundamentalmente organista y músico religioso. Fue muy fecundo, tanto en composiciones musicales como en hijos (tuvo 20, muchos de ellos músicos). Son famosas sus Cantatas y La Pasión según San Mateo.
Era italiano y vivió casi siempre en Venecia, donde era músico de un colegio de niñas internas. Una orquesta formada por ellas fue la primera que tocó muchos de sus más de 250 conciertos. Uno de los más famosos es el de Las cuatro estaciones.
Nació en Eisenach (Turinglae) el 21 de Marzo de 1685. Su familia era una saga completa de músicos, había tenido varias generaciones de compositores e interpretes.
Los antepasados de Bach ocuparon múltiples cargos municipales y cortesanos, como: Organistas, violinistas, cantantes, profesores...
Hablar del apellido Bach era hablar de música. Johanh Sebastián siguió muy pronto la tradición familiar, su padre supo que su hijo tenia algo muy especial para la música y consagró mucho tiempo para su enseñanza.
COMO ERA:
De niño era complicado, serio e introvertido. Además de la música le atraía la lengua latina y la tecnología.
Tubo como maestro órgano a Buxtenude, tenía una energía aparentemente ilimitada y una fortaleza animada y desbordante. Esos eran los rasgos excepcionales de la personalidad de Bach.
AÑOS DE FORMACIÓN:
Pasaron varios años de duro aprendizaje. Bach acabó el primer ciclo de estudios en 1700, con un adelanto de 2 años. Entonces contaba con 16 años de edad.
A partir de hay viajó a varios lugares. Se casó con su sobrina y tuvo 7 hijos.
SUS OBRA:
BWV= Bach Werke Verecmis o catálogo de obras de Bach. El Violonchelo abarca muchos factores de su obras, como solista y acompañante. La obra más sobresaliente de Bach para este instrumento solo son las BWV 1007- BWV 10012, que son 6 suites para violonchelo.
Catálogo de sus obras
1-200: Cantatas religiosas.
201-215: Cantatas profanas.
216-224: Otras cantatas.
225-231: Motetes.
232-242: Misas.
243: El Magnificat.
244-247: Pasiones.
248-249: Oratorios.
250-438: Composiciones corales.
439-524: Lieder y arias.
525-771: Obras para órgano.
772-994: Obras para clavecín.
995-1000: Obras para laúd.
1001-1013: Obras para solistas instrumentales.
1014-1040: Música de cámara.
1041-1071: Conciertos.
1072-1080: Obras de contrapunto (es decir, cánones y otros).
1081-1127: Obras encontradas después de 1950.
SU MUERTE:
Un ataque de apoplejía puso fin a su vida el 28 de Julio de 1750, lo rodeaban sus familiares, dejó un legado a la personalidad con una gran obra religiosa y numerosas piezas profanas.
CURIOSIDADES:
Cuando Bach era niño, su padre lo formó musicalmente, aunque le prohibía estudiar por su cuenta las partituras de los famosos compositores italianos de la época (Vivaldi) para que no deformaran su aprendizaje. Para mantenerlo alejado de tales influencias, escondía las partituras en un armario bajo llave. Pero el pequeño Juan Sebastian se levantaba por las noches, robaba las partituras y las copiaba para estudiarla a su antojo.
Aunque no se conocieron personalmente, Bach y Haendel tienen muchas cosas en común. El más curioso es el charlatán y autoproclamado oculista John Taylor, que operó sin éxito a ambos compositores, cegando a Haendel.
Hay reconocidos músicos que investigan una forma especial de Bach: comparando sus obras con las de jazz, basta un cambio de ritmo para que sean obras de jazz.
En la época de Bach había un conde con insomnio. El médico le aconsejó que escuchara música relajante y contrató a Bach para que le compusiera música de este tipo. Bach le compuso "Las variaciones Goldberg".
Información aportada por Fernando Miguel Hidalgo Aguilar y Ainoha Muñoz Gilibert.
En la Pequeña Crónica de Ana Magdalena Bach hay una simpática anécdota referente a las enormes dotes de improvisación y lectura a primera vista de Johann Sebastian. El gran maestro había dado a entender en muchas ocasiones que todo buen músico debe interpretar a primera vista cualquier clase de música. Su colega de Weimar, el organista municipal Sr. Walther, meditaba la forma de tenderle una trampa, para después reirse los dos de la broma. Sebastián almorzaba algunas veces en casa de Walther y, una de ellas, mientras esperaban que les sirvieran la comida, Sebastian se dirigió al clave, vio allí una partitura y, naturalmente, se puso a descifrarla. Pero no había avanzado mucho cuando llegó a ciertas notas que le hicieron tropezar y, muy sorprendido (pues no estaba acostumbrado a tropezar ante ninguna música, por complicada que fuese), repitió la pieza desde el principio y tuvo que detenerse en el mismo punto. En alquel momento, el Sr. Walther, que había estado escuchando tras la puerta entreabierta, no pudo contener la risa. Sebastian se levantó de un salto y dijo, un poco avergonzado: "Aún no ha nacido el hombre capaz de tocarlo todo a primera vista. Este pasaje es imposible". En años posteriores contaba con frecuencia esta anécdota, para animar a discípulos tímidos.
Thomas Blank y Karl Adamek, doctores de la universidad de Münster, llevaron a cabo un estudio basado en las experiencias vividas de más de 500 escuelas infantiles alemanas. El estudio reflejó que un 88'9 % de los niños y niñas que cantaban habitualmente mostraban un mayor desarrollo del habla, de la conducta social y del control de la agresión. Estos estaban mejor preparados para enfrentar la escolarización en primaria en comparación al 44'1 % de los que no cantaban o cantaban mucho menos.
Además, son sobradamente conocidas las capacidades de la educación musical para contribuir en la mejora de la adquisición de la lectura, de la memorización, del desarrollo motor (motricidad fina y gruesa), o de la habilidad para entender conceptos matemáticos.
Los cordófonos frotados son instrumentos musicales que se tocan con un arco que se desliza sobre una o varias cuerdas que vibran por encima de una caja de resonancia. Los más importantes son los que explicamos a continuación, pero no hay que olvidar que hay otros menos conocidos, pero no menos importantes:
Violín: instrumento de cuerda frotada, el más agudo de su familia. Otros miembros de ésta son la viola, el violonchelo y el contrabajo. El arco es una vara estrecha, de curva suave y construida en madera del Brasil, de unos 30 cm de largo, con una cinta de crines de caballo que va de lado a lado del mismo. 
